Sala Clara Muñoz

Con motivo de la celebración del Día Internacional de la Mujer, el 5 de marzo se inaugura en la Sala de Arte Social ‘Clara Muñoz’ del Gabinete Literario de Las Palmas la exposición “Sus formas, nuestro dolor”, con el apoyo de la Consejería de Igualdad del Cabildo de Gran Canaria, la Viceconsejería de Cultura del Gobierno de Canarias, el Ministerio de Cultura y la Unidad de Igualdad de la ULPGC.

En un momento de debates enconados en el seno del feminismo, el discurso del arte aparece como un lugar privilegiado desde el que aportar una visión desprejuiciada y libre sobre los modos de dominación y resistencia que se ejercen a través de las formas sensibles. En la muestra, que presenta la obra de cuatro mujeres artistas de distinta procedencia y trayectoria, se entrecruzan al menos tres ejes de significación: la revisión crítica de la historia reciente del arte, una cierta estética del dolor y un discurso feminista diverso que huye del estereotipo.

Las “formas” del título hacen referencia a la estética de la modernidad y la reacción que provoca en la obra de estas artistas. Se trata de una relación ambivalente, pues se asimila la estética moderna al tiempo que se transgrede. Este es el caso de Bonvicini y Fleury en su debate plástico con el minimalismo. El que podemos considerar el último movimiento moderno ha sido caracterizado por Anna C. Chave, en su ya clásico artículo “Minimalismo y la retórica del poder”, como un movimiento de rasgos netamente masculinos:

Lo que me interesa del Minimalismo es lo que Teresa de Lauretis describe como “las relaciones de poder involucradas en la enunciación y la recepción”, relaciones “que sostienen las jerarquías de la comunicación; … la construcción ideológica de la autoría y la maestría, o más sencillamente, quién habla a quién, por qué y en nombre de quién”.

El trabajo de Monica Bonvicini (Venecia, 1965), artista italiana residente en Berlín desde 1986 y León de Oro de la Bienal de Venecia de 1999, examina la relación entre arquitectura, género y poder. Las referencias en su obra a los modos del minimalismo y la arquitectura moderna son constantes, así como el uso de materiales y elementos propios de la dominación que en muchas ocasiones acercan sus instalaciones al SM. Para esta exposición Bonvicini presenta “Beltdecke” (2017), un tapiz hecho de cinturones de hombre en el que se evoca un trabajo tradicionalmente asociado con la mujer, como es el tejido, con un elemento propio de la dominación sexual masculina.

Sylvie Fleury (Ginebra, 1961), artista con obras presentes en colecciones internacionales como la del MoMA de Nueva York, presenta “Walking on Carl Andre” (1997): una pieza de vídeo en la que las baldosas metálicas del minimalista Carl Andre son utilizadas como pasarela por mujeres que caminan con zapatos de tacón. La transgresión de esta artista postpop y postfeminista se produce en respuesta a la censura de Andre a una de sus instalaciones. El vídeo toma una especial significación también por el hecho de que Carl Andre, uno de los grandes representantes del minimalismo, fue acusado y extrañamente absuelto por el asesinato de su mujer, la artista Ana Mendieta.

También encontramos una revisión crítica de la historia reciente del arte en la obra de Ana Laura Aláez (Bilbao, 1964), artista vasca que representó a España en la Bienal de Venecia de 1999. La referencia a la escultura moderna de Brancusi –autor que tanta influencia tendrá en los volúmenes de los minimalistas– y al postminimalismo de Eva Hesse se plasma en la obra “Culito” (1996): una bella escultura en la que la violencia y la vulnerabilidad se expresan en el contraste del hierro y el corcho.

Esta dicotomía belleza/dolor se encuentra reflejada en la obra de las cuatro artistas a través de materiales, procedimientos compositivos, acciones y representaciones. Manipulación y transformación de objetos y cuerpos; de objetos con personalidad y de cuerpos-mentes reificados. Una indagación plural en la violencia simbólica inherente a la producción de belleza. En la serie «Sacrifice» (2017), la joven pintora canaria Cristina Toledo (Las Palmas de Gran Canaria, 1986) retrata los tratamientos tortuosos a los que ‘voluntariamente’ se han sometido las mujeres para encajar en los cánones de belleza. El concepto de ideología toma en estos cuadros vintage su sentido más carnal. Para la exposición “Sus formas, nuestro dolor” la artista realizará un gran mural con una imagen de esta serie.

Los discursos plásticos de estas artistas se alejan del canon de arte feminista tal como se forjó en los años 70 del siglo XX y que aún hoy pervive en la obra del feminismo artístico actual. La muestra quiere por tanto aportar una mirada crítica y diversa, fuera de los cánones impuestos y autoimpuestos.

El 18 de octubre de 2018 se inauguró en la Sala de Arte Social del Gabinete Literario de Las Palmas la muestra «Biotopías», cuatro intervenciones de artistas implicados/as con el problema medioambiental. Comisariada por el equipo PSJM, la exposición presenta obras de Basurama, Luna Bengoechea, Carmela García y Santiago Morilla.

La exposición «Biotopías» está promovida por la asociación ecologista Muévete por el Clima y organizada por la Consejería de Medio Ambiente del Cabildo de Gran Canaria con el apoyo de la Concejalía de Participación Ciudadana del Ayuntamiento de Las Palmas de GC. «Biotopías» coincidirá con la conferencia internacional «Encuentro Archipiélago y Océano: Repercusión del Cambio Climático en los Territorios Insulares», que se celebrará en el Gabinete Literario del 22 al 27 de octubre. «Biotopías», que comenzará una semana antes, se prolongará todo un mes, ocupando la Sala de Arte Social del Gabinete Literario, que está siendo programada y comisariada por el equipo de creación, teoría y gestión PSJM (Cynthia Viera y Pablo San José). También se intervendrá en la Playa de Las Canteras y las calles de la capital grancanaria con acciones artísticas que quieren concienciar a la ciudadanía.

«Biotopo», en biología y ecología, se refiere a un área de condiciones ambientales uniformes que provee espacio vital a un conjunto de flora y fauna: un ambiente de vida. El término «biotopías» es un neologismo que PSJM propone para caracterizar poéticamente respuestas estéticas a la situación de urgencia planetaria. «Biotopías» toma su significado de «biotopo», pero también se relaciona con la teoría del espacio de Foucault. En esta, el filósofo francés distinguía tres clases de espacios: las topías (los espacios reales y cotidianos), las utopías (espacios ideales, no reales) y las heterotopías (espacios reales, pero separados de la vida cotidiana). La fonética de «biotopías» se refiere así tanto a los ambientes de vida como a esos lugares a medio camino entre lo cotidiano y la utopía. Espacios excepcionales de vida creados para concienciar. Como aseguraba Marcuse en «La dimensión estética», el arte debe proponer «promesas de felicidad», utopías, ideas reguladoras que han de ser perseguidas. De este modo, las intervenciones que se plantean para «Biotopías» son acciones poéticas que instauran una utopía en la topía, micro-utopías ecológicas que pueden ser cumplidas.

Todas las piezas que componen la muestra han sido creadas específicamente para la ocasión, con la mente puesta en la creación de obras de arte sostenibles, producidas localmente para incurrir en las mínimas emisiones posibles debidas al transporte de obras. En el planteamiento curatorial se ha tenido igualmente presente la combinación de artistas peninsulares con locales de proyección exterior, así como el equilibrio paritario en relación a la igualdad de género. La naturaleza colaborativa y participativa de las propuestas, y la actuación tanto en la sala de exposiciones como en el espacio público, han sido también factores determinantes a la hora de conformar este proyecto expositivo. Por otro lado, el carácter espectacular y los valores ecológicos, colaborativos y educativos de las intervenciones parecen garantizar la visibilidad que demanda cumplir el objetivo principal de la muestra: concienciar a través de la creatividad y el comportamiento ético de justicia ambiental.

«In Love We Trash. Las Palmas GC» es el último de una serie de proyectos en los que el colectivo Basurama utiliza el plástico de desecho para generar espacios inflables. Dos iconos de la sociedad de consumo, la bolsa de plástico del supermercado y el plástico de embalaje, se convierten en materia prima para construir un gran espacio a base de aire propulsado por ventiladores domésticos. El espectacular hinchable que Basurama presentará la mañana del sábado 27 de octubre en la Playa de Las Canteras será el resultado del taller colaborativo desarrollado los días 25 y 26 de octubre en el Real Club Victoria. Durante estos dos días, niños/as y adultos/as contarán y clasificarán el plástico recopilado durante la semana anterior en el Gabinete Literario, y juntarán las piezas con cinta adhesiva para dar forma a este impresionante espacio. Todo el proceso será registrado en vídeo y mostrado en la Sala de Arte Social del Gabinete Literario. Basurama insisten en recordar el carácter replicable de estas construcciones, animando a la ciudadanía a inflar «su propia basura plástica».

Basurama es un colectivo dedicado a la investigación, creación y producción cultural y medioambiental fundado en 2001 que ha centrado su área de estudio y actuación en los procesos productivos, la generación de desechos que estos implican y las posibilidades creativas que suscitan estas coyunturas contemporáneas. Nacido en la Escuela de Arquitectura de Madrid como «un festival de basura», ha ido evolucionando y adoptando nuevas formas desde sus orígenes. Pretende estudiar fenómenos inherentes a la producción masiva de basura real y virtual en la sociedad de consumo aportando nuevas visiones que actúen como generadores de pensamiento y actitud. El colectivo ha realizado más de 100 proyectos en cuatro continentes, tiene su base en Madrid y una oficina permanente en Sao Paulo (Brasil) y Bilbao (España).

La artista grancanaria Luna Bengoechea presenta «Elaeis guineensis», una serie de dibujos con instalación lumínica que se centran en el cultivo de palma aceitera (aceite de palma), que está generando un enorme impacto ambiental a nivel mundial. Especialmente grave en el Sudeste Asiático y América Latina, donde estas plantaciones están sustituyendo en un 40% a los bosques tropicales y en un 32% a los pastos naturales y las áreas de cultivo de grano básico. La pérdida de biodiversidad, la desaparición del hábitat de especies y la contaminación de las aguas y del aire por los grandes incendios son algunos de los impactos ambientales más conocidos hasta ahora provocados por las plantaciones de la palmera de aceite, que también tiene efectos nocivos para la salud de las personas.

Luna Bengoechea (Madrid, 1984) reside en Gran Canaria desde los nueve meses. Su trabajo se ha centrado en descubrir, con una poética limpia y acabados elegantes, ciertos aspectos relacionados con la sociedad del riesgo: la contemporánea y libre circulación de los venenos en la alimentación y los peligros de los transgénicos. También se ha preocupado por temas tan actuales como la especulación bursátil sobre las semillas y las implicaciones monetarias y económicas del comercio de la vida vegetal. La pieza que Bengoechea ha realizado específicamente para «Biotopías» se enmarca en la línea de obras de su exposición individual «It’s alive», en la que se muestran dibujos realizados en un estilo que evoca a las ilustraciones científicas de botánica y que, por medio de la aplicación de luz negra, desvelan la composición química de los transgénicos. En este caso, Bengoechea invita a realizar un acercamiento interactivo a la obra por parte del/la espectador/a, que podrá pasar de la luz blanca a la luz negra utilizando un interruptor y descubrir verdades incómodas acerca del aceite de palma. Una estrategia plástica de visibilización que busca concienciar acerca de los modelos de producción industriales y su impacto en el medio ambiente, y en la salud de la tierra y las personas.

La fotógrafa Carmela García (Lanzarote, 1964) ha expuesto su obra de forma individual en museos como el Reina Sofía. Su participación en la exposición «Biotopías» viene a cubrir una parte fundamental del discurso ambientalista: el que tiene que ver con una visión poética del eco-feminismo. La obra que presenta Carmela García pertenece a su serie «Paraíso», de 2003, pero su forma de presentación, empapelando de suelo a techo uno de los muros de la sala, hace que esta imagen incorpore nuevos significados. Si en su forma original de presentación esta imagen se mostraba enmarcada y positivada en un papel fotográfico de alta calidad, constituyendo una pieza de museo o galería, ahora la sobredimensión y el empleo del plotter acerca la obra a la publicidad o a la propaganda, dotando a la imagen de un cariz activista: un símbolo eco-feminista alejado del mercado, ya que la obra desaparecerá con el final de la exposición.

La imagen fotográfica que nos trae Carmela García contiene la proclama poética de un mundo nuevo. Como escribe Yolanda Peralta en el volumen de la Biblioteca de Artistas Canarios dedicado a la artista de Lanzarote: «“Paraíso” plantea la inclusividad de todos y todas como vía para la reconciliación y la cooperación con el medio natural. La ausencia de hombres en esta serie simboliza la ausencia del discurso patriarcal y, por tanto, la oportunidad para empezar de nuevo, siendo las mujeres las encargadas de reconciliarse con la naturaleza en nombre de todos, porque tanto ellas como la naturaleza han sido oprimidas y subyugadas por el sistema patriarcal. ¿Qué emerge de la relación entre lo femenino y lo natural, entre las mujeres y la naturaleza? Emerge la Arcadia en la que reina la paz y la felicidad, la comprensión profunda de todo lo que nos rodea en un ambiente idílico». Una visión de la solución al problema medioambiental traspasada por el problema de género que sin duda abre camino a la reflexión y al debate.

«Locative Breathing», de Santiago Morilla (Madrid, 1973), consiste en la producción de un invernadero sidecar soldado a una bicicleta, en el que se pasea un Drago canario (Dracaena draco) conectado a un sistema autónomo de respiración cerrado. El tubo de respiración conecta la máscara del/la ciclista con el interior del invernadero, que actúa como un filtro portátil. Se genera así una retroalimentación mutua entre el CO2 exhalado del/la ciclista y el oxígeno producido por el Drago y, por supuesto, una inmersión local en la naturaleza sensitiva de la propia planta por parte del/la ciclista, hecho que ocurre a la vez que se aísla olfativamente del entorno exterior. Esta obra no es un dispositivo funcional al 100%, sino una declaración simbólica en torno al concepto de interdependencia e injerencia humana en la adaptación local de los entornos naturales. La producción del proyecto «Locative Breathing» se ha realizado con un equipo local de colaboradores (soldadores, carpinteros, botánicos, etc.). Tanto el diseño como la formalización última han sido supervisados por el artista, pero siempre abierta a cambios e incorporaciones conceptuales de los propios colaboradores.

Las derivas urbanas realizadas por «Locative Breathing» serán registradas por GPS y documentadas cartográficamente, y los datos extraídos de la experiencia serán expandidos en red a través de la página web del artista. Se trata de un proyecto colaborativo e inclusivo. Se llevará a cabo una acción el 16 de octubre en la que el artista invita a la ciudadanía a pedalear con el Drago «para respirarle, olerle, entenderle e interaccionar en varios niveles de conciencia, tanto a nivel público como privado, mientras nos exponemos mutuamente». La acción en el espacio público se registrará en formato videográfico y se mostrará en la sala del Gabinete Literario, junto al invernadero sidecar, que ocupará el hall del centro cultural capitalino y que se podrá ver a partir del 18 de octubre y hasta el 17 de noviembre.

Marco teórico

«Lo personal es político». El lema feminista de Kate Millet pone el acento en que, si bien lo público ha sido considerado universalmente como el espacio de lo político, de las leyes y de la razón –de lo masculino–, en el ámbito privado también se ejerce un poder político, de dominación y opresión, del hombre sobre la mujer. Y, por tanto, si se da un poder de dominación, puede darse un contrapoder de emancipación y liberación. Para revertir esta ‘política sexual’ (Millet), para invalidar el originario ‘contrato sexual’ previo al contrato social (Pateman), la dicotomía público/privado ha de ser superada.

«Es personal» apunta, además, en otras direcciones teóricas que tienen que ver con el concepto de persona y de sujeto en la modernidad. La mujer ha sido relegada culturalmente al ámbito de la necesidad, de lo privado, de lo natural, considerada incapaz de ir más allá de lo particular y lo subjetivo, de alcanzar el pensamiento de lo universal necesario para regirse por la norma y abrigar el sentido de la justicia —así lo creían Kant, Rousseau y muchos otros “grandes padres” del pensamiento occidental—. Con esta caracterización interesada se le niega a la mujer el estatuto de humanidad, no llega a ser persona. Ni tampoco a ser sujeto, sino que tan solo “está sujeta” al orden patriarcal.

La categoría de sujeto entra en crisis. Por un lado, esta misma descripción del sujeto como “sujeto a estructuras sociales” –como marioneta de la cultura y la sociedad– es extendida a todo ser humano por el antihumanismo estructuralista de autores como Althusser o Foucault. Y por otro, la llegada de la postmodernidad hace que se resquebraje la categoría moderna de sujeto racional. El mundo moderno aparece como la construcción de un sujeto capaz de desencantar el mundo mítico para liberarse a sí mismo y conseguir la autonomía, pero que «al convertir en objeto todo lo que toca empeñado en su autoafirmación, se erige en dominador de todo aquello que ha objetualizado» (Molina Petit). Es decir, para conseguir la subjetividad y la autonomía, para que exista un sujeto, debe haber un objeto, y el objeto siempre ha de ser dominado. Ya la subjetividad trascendental de Kant, en su crítica de la razón práctica, advierte y prescribe que el resto de sujetos han de ser tratados por uno mismo como sujetos y no como objetos, es decir, como fines en sí mismos y no como medios para llegar a un fin. Una ética ilustrada que deberá competir con una ética económica también ilustrada, la smithiana de la mano invisible, la del egoísmo como motor del progreso económico y social. En cualquier caso, la mujer, en principio, se queda fuera de este dilema ético de la ilustración, del contractualismo y de la razón práctica, del sentido de la justicia y del estatus de sujeto. Sin embargo, los mismos principios ético-políticos de la ilustración harán posible el nacimiento de la teoría y el movimiento feministas.

Es personal, ahora es personal. Una vez demostrada la capacidad femenina para trabajar y regirse por normas universales y abstractas, para acceder al ámbito de la razón dialógica —al foro, al ágora, a lo público— y una vez puestas en cuestión las categorías universales de la modernidad, es el momento de feminizar lo público, de repensar los valores adscritos tradicionalmente a los sexos y poner en valor lo particular, lo subjetivo, en definitiva, lo personal.

Porque «es personal» también habla del trabajo, de la economía y de la supuesta objetivación de la razón económica, económico-política. «Son negocios, no es nada personal», se dice cuando se aplasta a un rival en el mercado. «Es la economía, no es algo personal», le dice quien despide a quien engrosará las filas del paro. ¡Pues claro que es personal! Todo es personal, porque afecta a las personas, no a números, ni a nombres hechos de letras, ni a fotos de carnet. Es personal porque afecta a personas de carne y hueso, con sus historias, sus proyectos, sus afectos. Es personal.

Ahora, es personal. Comenzó este año 2019 con 8 mujeres asesinadas a manos de su pareja o ex-pareja. Ocho, un número, objetivo, que esconde ocho vidas, ocho familias, ocho tragedias. Es personal, porque no es “violencia doméstica”, como insiste en defender la ofensiva del neofascismo vestido de calle. Es violencia contra las mujeres, por ser mujeres. Ahora es personal, porque tiene carácter de urgencia no retroceder ni un paso, no dejar hueco a la regresión opresiva.

Doble exposición

Este es el sentido de esta exposición, que se despliega en dos espacios. En la Sala de Arte Social del Gabinete Literario se establece un diálogo entre las obras de Alicia Framis y Teresa Margolles, dos artistas de renombre internacional pertenecientes a una generación que despunta en los años 90. Ambas han representado a sus países en la Bienal de Venecia: Margolles a México en 2009 y Framis, que vive y trabaja en Amsterdam, a los Países Bajos en 2003. La muestra «Es personal» se completa con una intervención en la Sala de Cristal del Cabildo de Gran Canaria a cargo de la joven artista palmera Raisa Maudit, cuyo trabajo está recibiendo ya un notable reconocimiento institucional con su presencia en espacios como MUSAC (León), CA2M (Madrid) o la Fundación Miró (Barcelona).

Sería tentador encuadrar este inesperado diálogo entre Margolles y Framis dentro del debate suscitado por el célebre artículo de Claire Bishop «Antagonism and Relational Aesthetics» («October» nº110, 2004), adscribiendo a cada artista, siguiendo este mismo orden, dichas formas de contrapoder artístico, y renovando así, a la femenina, la dicotomía Sierra/Gillick con la de Margolles/Framis. Pero, como ya hemos advertido en otros escritos («Fuego amigo», CENDEAC, 2015), preferimos sumar, más que dividir. Porque, además, no podemos considerar que el mensaje directo sea más efectivo que la generación de relaciones sociales a la hora de construir, potenciar y fortalecer la democracia radical. Ambos trabajos, el de Framis y el de Margolles —de los cuales no podemos decir que uno sea más encriptado que el otro—, suman con deslumbrante poder en la lucha simbólica contra la desigualdad, la opresión y la violencia contra las mujeres.

Teresa Margolles (Culiacán, México, 1963) ocupa una gran pared de la sala con su obra «Pesquisas» (2016). Una instalación mural de 30 impresiones en color de fotografías de carteles de mujeres desaparecidas que cubren las calles de Ciudad Juárez, México. La imagen en fotocopia de mujeres desaparecidas ha cubierto las paredes de las calles de Ciudad Juárez desde finales de los años 90 hasta la actualidad. Allí se denomina «pesquisas» a los carteles con la fotografía y los datos de las víctimas. A través de los años, la información de estos carteles se va decolorando, desvaneciendo, mutilándose, convirtiéndose en parte del paisaje urbano. Agentes externos, como el clima y las personas, intervienen en la transformación de estos documentos, llegando a ser, en ocasiones, irreconocibles. Aunque ha habido intentos por parte del municipio de prohibir el empapelamiento de los muros de la ciudad, las pesquisas continúan. Es el reclamo de los familiares y de la sociedad civil ante la tragedia. De 2012 a 2016, año en que Margolles realiza la pieza, la Comisión Internacional de Derechos Humanos destacaba que habían desaparecido más de 7.000 mujeres en México. Hoy por hoy el número es mucho más elevado.

Esta denuncia poética del feminicidio que presenta Margolles es flanqueada por el registro videográfico de dos acciones de Alicia Framis (Barcelona, 1967) que se proyectan en las paredes adjuntas. Por un lado, «The Walking Ceiling» (2018), performance realizada recientemente para su gran exposición “Pabellón de género” en la sala Alcalá 31 de Madrid, en la que se denuncia el “techo de cristal”. La artista pidió a mujeres profesionales de Madrid que la ayudaran a portar una placa de cristal de tres por dos metros. La placa se apoya en las cabezas de estas trabajadoras “white collar” gracias a una almohadilla que evita que el cristal se deslice y amortigua las vibraciones. Este elemento recuerda sutilmente a las mujeres africanas que portan agua o víveres y contrasta con lo aséptico de toda la acción, que se desarrolla en silencio, con el movimiento de las mujeres al mismo paso y las manos con guantes. Una puesta en escena con la que la artista quiere provocar «contrariamente a lo que se piense en un primer momento, un efecto liberador de una opresión latente» (Framis, «El techo andante», p. 97).

Enfrentada a la proyección de este vídeo encontramos «8 de junio, libran las modelos» (2006), una obra que se creó en respuesta a la invitación de Enrique Loewe a participar en la exposición «Take me with you», que fue parte de la celebración del 160 aniversario de Loewe. A veinte artistas se les pidió que analizaran la relación entre las personas y sus bolsos. Así que Framis aplicó un audaz cambio de roles. El 8 de junio de 2006 se celebró una manifestación de protesta en Madrid contra el uso de modelos esqueléticas en las pasarelas y anuncios. La artista, por tanto, no contrató modelos femeninas –las cuales tenían el día libre para manifestarse–, sino modelos masculinos que, con un mero bolso de lujo en la mano, subieron a la pasarela totalmente desnudos. Los asesores de Loewe decidieron que este tipo de propuesta de arte era inapropiado para la compañía y para la audiencia VIP. Se contaba con la asistencia de la Familia Real a la inauguración, hecho que desencadenó que la actuación fuera censurada y cancelada minutos después de la presentación a la prensa internacional.

Por su parte, Raisa Maudit (Los Llanos de Aridane, La Palma, 1986) realizará el performance participativo «Twerking para la revolución: a las barricadas papi» (2015) el 14 de marzo en la Sala de Cristal del Cabildo de Gran Canaria, permaneciendo luego en este espacio hasta el día 26 de marzo los elementos utilizados en el performance, así como una gran pantalla con el vídeo tutorial que guía la acción.

El trabajo de Maudit se define en representaciones de deseos, construcciones, contradicciones y expectativas construidas en los límites de la disidencia: el postanarquismo, el transfeminismo, la cultura popular, la identidad, el cuerpo como herramienta o el ocultismo son temas recurrentes en su obra. Cercana al movimiento queer, desdibuja los estereotipos de género y utiliza las redes sociales más que como un medio de difusión como un medio de creación en sí. Para «Es personal», la artista palmera presenta un vídeo tutorial interactivo en el que, usando el twerking como hilo conductor, «jugamos, bailamos, sudamos para entender nuestro mundo en torno a «La Revolución» a través de la identificación con tres grupos dentro del estrato social: “Autoridad”, “Oposición a la autoridad” y “Ejecutores de la autoridad”». En la acción, una vez identificados los participantes, habrán de situarse en alguno de esos grupos y, con los pasos de twerking aprendidos en la masterclass, tendrán que enfrentarse en una suerte de ‘guerra civil’ a tres bandas en la que solo puede quedar uno/a.

El dúo de artistas Libia Castro y Ólafur Ólafsson presentan en el Gabinete Literario la exposición «Tu país no existe», con motivo de la reapertura de la Sala de Arte Social ‘Clara Muñoz’ que dirige el equipo PSJM, formado por Cynthia Viera y Pablo San José.

La sala Clara Muñoz, un espacio que fue bellamente rehabilitado en su momento por los/as arquitectos/as Magüi González y Pepe Sosa, ha permanecido cerrada durante años. Ahora, gracias al apoyo de la Viceconsejería de Cultura del Gobierno de Canarias, la Sala de Arte Social, que pusieron en funcionamiento el equipo PSJM en 2018, se traslada a este nuevo emplazamiento para seguir mostrando de un modo continuado el trabajo de artistas de proyección internacional que aborden temas sociales.

Libia Castro (Málaga) y Ólafur Ólafsson (Reikiavik) tienen su sede en Róterdam y Berlín, y trabajan en equipo desde 1997. Han representado a Islandia en la 54ª Bienal de Venecia (2011) y sus obras se han podido ver en otras citas internacionales de primer orden como la Manifesta 7 (2008) o la 19ª Bienal de Sídney (2014). Con un enfoque conceptual, multidisciplinar, colaborativo y contextual, los trabajos de Libia y Ólafur se centran en la creación de situaciones y entornos experimentales que a menudo exceden el espacio expositivo del arte a través de instalaciones, esculturas, vídeos, fotografías, intervenciones en el espacio público, música, performance o cualquier medio a su alcance que sirva para abordar cuestiones espaciales, existenciales, sociales y políticas. El dúo reflexiona sobre la vida cotidiana en los diferentes lugares en los que trabajan, al tiempo que se propone generar preguntas existenciales y críticas sobre temas como las desigualdades socioeconómicas, la migración, la identidad, el espacio urbano o el efecto de la globalización en la sociedad y en las personas.

La muestra en el Gabinete Literario incluye performance, instalación, vídeo y una intervención en la fachada del edificio: un gran neón con la frase «Tu país no existe» escrita como si de un graffiti se tratara. «Tu país no existe» es una campaña en curso que comenzó en Estambul en 2003 («Your Country Doesn’t Exist»), un año marcado por las masivas protestas mundiales contra la invasión de Irak por parte de Estados Unidos y sus aliados. Desde entonces, el proyecto se ha ido desarrollando para incluir diferentes formatos, como carteles publicitarios, anuncios de televisión y radio, actuaciones, performance, vídeos, esculturas, sellos postales o graffitis de neón. El proyecto ha viajado por todo mundo difundiendo este mensaje en diferentes idiomas e interviniendo en diferentes contextos. Una obra de arte que incita a la discusión pública sobre un tema tan candente como el nacionalismo.

En el interior del edificio se muestran dos obras. En la primera estancia de la Sala de Arte Social ‘Clara Muñoz’ se encuentra la instalación musical performativa «Cut-up Indeterminate Anthem» (2018-2019). En esta obra, tras fragmentar, mezclar y reorganizar al azar las partituras de himnos nacionales se crea un nuevo dispositivo escultórico y musical: una partitura móvil que cuelga del techo y que será interpretada durante una performance el día de la inauguración. Esta instalación va creciendo escultóricamente en cada lugar que se muestra y se ejecuta, pues se van agregando los himnos de las nacionalidades de los/as músicos/as que la interpretan en cada nueva ciudad. Por tanto, cada nueva interpretación constituye una nueva obra site-related.

Con este dispositivo escultórico-musical, Libia y Ólafur trabajan con la indeterminación originada por los cortes, las nuevas mezclas, las yuxtaposiciones aleatorias y por el movimiento de los móviles que se ven afectados por los movimientos en el espacio de los/as músicos/as y visitantes. Las partituras móviles, que tienen el mismo mecanismo que una bandera, serán izadas en el espacio expositivo, donde se mantendrán suspendidas al abrigo del sonido grabado de los ensayos de esta nueva obra realizada con músicas/os de Las Palmas de Gran Canaria.

La tercera obra, «Illusion Woman» (2016), es una vídeo-proyección que sopesa la situación socioeconómica y política en Europa más allá de la crisis financiera de 2008. «Illusion Woman» es una joven heroína –o anti-heroína– del siglo XXI. Con un discurso y una actuación que lindan lo hipnótico, la mujer se va aplicando pintura blanca y negra en la cara, mientras habla, hasta dibujar una máscara dazzle paint –pintura geométrica empleada para camuflar los barcos en la primera guerra mundial—. Se trata nuevamente de un trabajo cooperativo en el que Libia y Ólafur colaboran con la filósofa, activista y feminista británica Nina Power y la actriz australiana Michelle Myers. El discurso de «Illusion Woman», escrito por Nina Power con Libia y Ólafur, pronostica dos futuros posibles. Por un lado, un mundo distópico, despótico, inhumano y brutal, gobernado por una clase política al servicio de los intereses y el reloj de un sistema económico y financiero propiedad del 1% de la población mundial. Y por otro, una alternativa revolucionaria mundial –una insurrección feminista, feminizada, democrática y medioambiental– que combina economías alternativas, una nueva imagen del tiempo y una ciudadanía política global activa que opera más allá de las naciones: un movimiento político medioambiental transnacional que toma el poder en nombre de la paz y el fin de la pobreza.